Nők, feketék, és nem csinálnak művészetet erről

A National Museum of Women in the Arts új kiállítása két, a művészeti világba ágyazott téves feltételezéssel szembesül. Először is, hogy a nőknek női művészetet kell készíteniük, másodszor, hogy az afroamerikai művészeknek figuratív és aktivista művészeteket kell készíteniük, olyan alkotásokat, amelyek szembesülnek a faji, egyenlőtlenség, igazságtalanság és a feketék elleni erőszak hosszú történetével.

A Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960-as évektől napjainkig azokra a fekete női művészekre összpontosít, akik túl vagy kívül dolgoznak ezeken a diktátumokon. Az alkotás tüzes absztrakciókat tartalmaz, amelyek alvadt festékóceánokkal és finom nyomatokkal, rózsaszín árnyalatokkal és kifinomult áttörtekkel készültek. Néhány festmény leszakad a falakról és uralja a teret; mások bensőséges csendet teremtenek, és egyre közelebb vonják a nézőt rejtélyes visszafogottságukhoz. De mindannyian szembeszállnak a rassz és nem tetszőleges kategóriáiban gyökerező esztétikai elvárásokkal.

Amint azt a műsor katalógusának bevezető esszéje elmagyarázza, ezek a művészek egy periféria perifériájának perifériáján dolgoznak. Hol van ez a sok periféria? Különleges prioritási sorrend nélkül vegye figyelembe az első nemet és az absztrakciót. A múlt század közepéig a mezőnyt olyan férfiak uralták, akik újrahasznosították a 19. századi elképzeléseket a hős művészről és az érzelmi kifejezés démoni erejéről. A nem objektív stílusban dolgozó nőket figyelmen kívül hagyták, marginalizálták vagy félreértelmezték. Amikor a saját feltételeik szerint sikerült sikert elérniük, az gyakran azért volt, mert az általuk használt vizuális nyelv a testükkel és viselkedésükkel kapcsolatos elvárásokat tükrözte, apró, finom gesztusok, tompa színek vagy ismétlődő formák, amelyek megnyugtatták a szemet. Persze voltak kivételek, de a kivételek a hagyományos elvárásokat erősítették a szokásos módon, ahogy a hatalom védekezik: Vádol minket azzal, hogy kirekesztünk vagy marginalizálunk? Nos, ez a magányos példa az ellenkezőjére aláássa a vádját.

Ezután vegye figyelembe a fajt. A kiállítás által felölelt időkeret a művészet történetét követi nyomon az 1960-as évek polgárjogi mozgalmának csúcspontjától a korunk Black Lives Matter mozgalmáig. Az itt szereplő nők közül sokan ellenálltak annak a művészetkészítésnek, amely kifejezetten politikai jellegű volt, vagy közvetlenül a fekete élményről szólt. Az absztrakt művészetet gyakran faji értelemben tekintették a fehér művészek által gyakorolt ​​elit formaként. A fekete művészektől azt várták, hogy a feketék ötletein meditáljanak, olyan vizuális nyelvezetet használva, amely az afroamerikai vagy a diaszpóra tapasztalatának afrikai gyökereiről származó elképzelésekből származik.

[A Nemzeti Galéria 10 Vermeert vizsgál a művész társaival összefüggésben]

Mildred Thompsonnak, a kiállítás egyik legkiválóbb művészének semmi ilyesmi nem lenne. A prostitúció csúcsa számomra, ha olyan szimbólumokat másol, amelyeket nem ért, és szándékosan olyan formát használ, amelyet nem tud elemezni vagy értékelni. És nem volt hajlandó átengedni az absztrakciót az elit művészeknek: talán azért tanultam meg értékelni feketeségemet, mert „whiteyvel” éltem és tanultam.

Ez a függetlenség erőteljes kijelentése, amelyet folyamatosan megkérdőjeleznek a kritikusok, a kurátorok, a tudósok, a gyűjtők és a közönség rögzült szokásai.

Tehát a benne foglalt művészet határozottnak, demonstratívnak, közvetlennek és nem bocsánatkérőnek érzi magát. De ezen a megosztott érzékenységen túl vannak-e kapcsolatok e művek között? Léteznek-e olyan stílus- vagy részletvonzatok, amelyek egyetlen alkotást kötnek a megtekinthető negyvenhez? Van-e olyan elvihető, ami túlmutat az egyes művészeken?

Ez egy veszélyes terület. Ha elkezdi keresni ezeket a linkeket, fennáll annak a veszélye, hogy korlátozza azt, amit a művészek meg akartak őrizni: az egyes művek egyéniségét és sui generis kifejező tartalmát.

mekkora egy nascar motor

Mégis, úgy tűnik, vannak nyomai a közösnek vagy a rokonságnak, különösen abban, ahogyan több mű kifejezi a szakadás vagy megosztottság érzését. Talán ez érzékelteti, hogyan hat ránk a hatalom, ahogyan nemcsak a társadalmi csoportok között hoz létre megosztottságot, hanem önérzetünkben is. A hatalom megmondja, milyennek kell lennünk, függetlenül attól, hogy kik is vagyunk valójában. Elválaszt minket veleszületett méltóságunktól, és saját árat bélyegez ötleteinkre, ajándékainkra, hozzájárulásainkra.

Shinique Smith, a Whirlwind Dancer nagy és dinamikus kompozíciójában a hasítás fizikai. A festmény eleinte egyetlen, egységes tárgyat ábrázol, valamiféle örvényt vagy forgószelet, amely egy fél évszázados festészet anyagát és törmelékét szívta fel a tiszta energia hurkos, hullámzó kifejezésévé. De ez valójában két vászon összeillesztése, és a varrást tanulmányozva rájössz, hogy vonalak vagy formák csak néhány helyen keresztezik a felosztást. A mű erejének ez a metaforája annak az energiának, amely annak ellenére, hogy egy résen vagy hasadékon szétterül, teljes.

Barbara Chase-Riboud szobra, amelynek bronz- és szövet sztéléit idén ősszel a New York-i Michael Rosenfeld Galériában tekinthetik meg, vízszintesen tagolják, és egy szövetszoknya elbírja a bronz torzó hatalmas súlyát. A szobor olyan párbeszédet hoz létre, amelyet sokan belülről éreznek, az ősi félelem, hogy minden összeomolhat, és egy olyan felpezsdítő érzés között, hogy valahogyan sikerül a semmi éterében felfüggesztenünk.

[ A National Portrait Gallery kiválasztja azokat a művészeket , akik megfestik Obama portréit ]

Jennie C. Jonest olyan alkotások képviselik, amelyek akusztikus panelekkel klasszikus, minimalista absztrakciókat hoznak létre. Ám az akusztikus panelek a csend sugallatát és a Chase-Riboud munkája által sugallt dichotómiát hoznak magukkal: ezek a csendről szólnak, amely a vászon, amelyre a zene íródik, és egy felszabadító szellemi erő, vagy a hogy elhallgatják, melyik a hatalom első és alapvető stratégiája?

Ezek a dichotómiák az egész kiállításon terjednek. Az egyik különösen lélegzetelállító műben, Howardena Pindell 1972–1973-as festményén, a vásznat apró pöttyök borítják, amelyek akkora méretűek, mint a papírlyukasztó nyomógép használatakor visszamaradt kis kerek papírdarabkák. Egy másik művében a tényleges kör alakú papírdarabkákat festékbe keverve furcsa alakú önéletrajzi művet hoz létre, amely utal a Japánban töltött idejére. A cím nélküli akrilfestményen azonban aprólékosan megfestette kétdimenziós nyomukat, egy illuzionisztikus gyűrődésmintát tartalmazó vászonra, mintha az egészet egy szekrénybe gyömöszölték volna, vagy a padlón hagyták volna gondozatlanul tökéletlenségig. formát öltött. Ez egy összetett munka, amely kérdések láncolatán indítja el az elmét – ki készítette ezeket a pontokat, ki és milyen célból lyukasztotta a papírt, és mit írtak a lyukasztott papír lapjaira? – amelyek végső soron a szöveg vagy dokumentum gondolatára utalnak, amelyet visszatartanak előlünk.

Ez az a kérdés, amellyel a hatalommal szigorúan szembe kell nézni: Mit tartanak vissza tőlünk? Ez a kiállítás egy praktikus, pragmatikus válasz a kérdésre. De persze a kérdés felvet egy másikat is: Mit tartunk meg magunktól?

Mágneses mezők: Az amerikai absztrakció kiterjesztése, az 1960-as évektől napjainkig január 21-ig megtekinthető a National Museum of Women in the Arts-ban. További információért látogasson el a www.nmwa.org oldalra.